Melvin Sparks' Grant Green and George Benson influences are the basis of a style that can drift into licks playing, but typically pushes into more heady territory. The spectrum of the veteran soul-jazz guitarist's abilities is well covered in this satisfying compilation of his first two releases as a leader: 1970's Sparks! and 1971's Spark Plug. The important action here plays out between Sparks and organists Leon Spencer (six tracks) and Reggie Roberts (four tracks). Drummer Idris Muhammad piles on a relentless attack that makes no concession to subtlety, although some tracks could have benefited from a more varied and nuanced approach. The horn parts are mostly redundant, providing commentary where none is required. Similarly, the solo contributions of tenor players Houston Person, John Manning, and Grover Washington and trumpeter Virgil Jones play a secondary role to the guitar-organ-drums axis. While some tracks dissipate their energies before they are done, the longest track, an 11-minute version of the Eric Burdon & War hit "Spill the Wine," is a highlight. The other key tracks are a cool treatment of Sly Stone's "Thank You"; Sparks' originals "Spark Plug," "Conjunction Mars," and "Dig Dis"; and the compilation's jazzier side revealed on the standards "I Didn't Know What Time It Was" and "Alone Together." These six tracks account for most of the CD's 75-plus minutes, making it quite manageable for the listener to work around the occasional stretches of funky filler that crop up elsewhere on the release.
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Revisión por Jim Todd
Las influencias de Grant Green y George Benson de Melvin Sparks son la base de un estilo que puede derivar en el juego de licks, pero que normalmente empuja a un territorio más embriagador. El espectro de las habilidades del veterano guitarrista de soul-jazz está bien cubierto en esta compilación satisfactoria de sus dos primeros lanzamientos como líder: ¡Sparks de los 70! y la bujía de 1971. La acción importante aquí se desarrolla entre Sparks y los organistas Leon Spencer (seis pistas) y Reggie Roberts (cuatro pistas). El baterista Idris Muhammad se enfrenta a un ataque implacable que no hace concesiones a la sutileza, aunque algunas pistas podrían haberse beneficiado de un enfoque más variado y matizado. Las partes de la bocina son en su mayoría redundantes, proporcionando comentarios donde no se requiere ninguna. Del mismo modo, las contribuciones en solitario de los tenoristas Houston Person, John Manning y Grover Washington y el trompetista Virgil Jones desempeñan un papel secundario en el eje guitarra-órgano-batería. Mientras que algunas pistas disipan sus energías antes de que terminen, la canción más larga, una versión de 11 minutos del éxito de Eric Burdon & War "Derrame el vino", es un punto culminante. Las otras pistas clave son un tratamiento genial de "Gracias" de Sly Stone; Los originales de Sparks "Spark Plug", "Conjunction Mars" y "Dig Dis"; y el lado jazzier de la compilación reveló los estándares "No sabía qué hora era" y "Solo juntos". Estas seis pistas representan la mayoría de los más de 75 minutos del CD, lo que lo hace bastante manejable para que el oyente trabaje en los ocasionales estiramientos de relleno funky que surgen en otra parte del lanzamiento.
One of the all-time classic soul-jazz records gets its turn at
remastering by Rudy van Gelder, the original engineer of the 1969
session.
Charles Earland had a strong affinity for the organ, though he didn't
start on the instrument. He began his career as a saxophonist, playing
in groups with organists like Jimmy McGriff and Gene Ludwig before
making his unconventional instrumental switch, eventually joining Lou
Donaldson's group. His playing exploits the organ's capacity for sustain
and timbral effects (though on "More Today Than Yesterday" his fleet
playing often sounds like a transposed piano solo).
The soul-jazz format tends toward popularity, even populism. Indeed,
Black Talk! was a hit record in its day; DJs played the title cut and
"More Today Than Yesterday," in spite of their length, even before
Prestige had released radio-friendly edited singles. Earland's group
nevertheless avoids the narrow clichés of the genre. While they may not
have pushed the format as far as their contemporaries in Tony Williams'
Lifetime, the ensemble sound is nevertheless subtly an advance on the
early-sixties style in which Earland received his apprenticeship.
This is mostly due to the leader's playing, and to that of guitarist
Melvin Sparks and drummer Idris Muhammad. Sparks reminds us of the
organic link between the blues and the avant- garde (like James Blood
Ulmer or Pete Cosey), his scratchy playing and always- approximate
timing adding delightful texture to a format that could otherwise be
conservative and monochromatic. Muhammad, meanwhile, can provide a
driving rock 'n' roll beat, or a pleasing shuffle; but his drumming on
"Aquarius" could almost be mistaken for Art Blakey's.
The contributions of tenor saxophonist Houston Person and trumpeter
Virgil Jones, though competent, are often merely ornamental rather than
substantive. Sympathetic conga accompaniment on a couple of tracks is
furnished by Newark convenience store owner Buddy Caldwell ("the
musicians dug him," according to Bob Porter's liner notes).
The set list is quirky but successful. "Aquarius," from Hair, cannot
help but sound a little kitschy, but the modal groove in the middle of
the cut over which the solos are played, is among the record's finest
moments, and Person sounds more imaginative here than elsewhere. One-hit
wonder Spiral Starecase's "More Today Than Yesterday" is not Black
Talk!'s most adventurous moment, but it is certainly the most winsome.
https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
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Uno de los discos clásicos de soul-jazz de todos los tiempos llega a ser remasterizado por Rudy van Gelder, el ingeniero original de la sesión de 1969. Charles Earland tenía una gran afinidad por el órgano, aunque no se inició en el instrumento. Comenzó su carrera como saxofonista, tocando en grupos con organistas como Jimmy McGriff y Gene Ludwig antes de hacer su poco convencional cambio instrumental, y finalmente se unió al grupo de Lou Donaldson. Su forma de tocar explota la capacidad del órgano para sostener y efectos de timbre (aunque en "More Today Than Yesterday" su ejecución flota a menudo suena como un solo de piano transpuesto). El formato soul-jazz tiende a la popularidad, incluso al populismo. De hecho, Black Talk! fue un récord de éxito en su día; Los DJ tocaron el corte del título y "More Today Than Yesterday", a pesar de su duración, incluso antes de que Prestige lanzara sencillos editados para radio. Sin embargo, el grupo de Earland evita los estrechos clichés del género. Si bien es posible que no hayan llevado el formato tan lejos como sus contemporáneos en Lifetime de Tony Williams, el sonido de conjunto es, sin embargo, sutilmente un avance en el estilo de principios de los sesenta en el que Earland recibió su aprendizaje. Esto se debe principalmente a la forma de tocar del líder, y al guitarrista Melvin Sparks y al baterista Idris Muhammad. Sparks nos recuerda el vínculo orgánico entre el blues y la vanguardia (como James Blood Ulmer o Pete Cosey), su interpretación rasposa y su sincronización siempre aproximada agregan una textura deliciosa a un formato que de otro modo podría ser conservador y monocromático. Muhammad, mientras tanto, puede proporcionar un ritmo de rock 'n' roll, o una mezcla agradable; pero su forma de tocar la batería en "Aquarius" casi podría confundirse con la de Art Blakey. Las contribuciones del saxofonista tenor Houston Person y el trompetista Virgil Jones, aunque competentes, a menudo son meramente ornamentales en lugar de sustantivas. El simpático acompañamiento de conga en un par de pistas es proporcionado por el propietario de la tienda de conveniencia de Newark, Buddy Caldwell ("los músicos lo cavaron", según las notas de Bob Porter). La lista de canciones es peculiar pero exitosa. "Aquarius", de Hair, no puede evitar sonar un poco cursi, pero el ritmo modal en medio del corte sobre el que se reproducen los solos se encuentra entre los mejores momentos del disco, y Person suena más imaginativo aquí que en otros lugares. La maravilla de un solo éxito "Más hoy que ayer" de Spiral Starecase no es el momento más aventurero de Black Talk !, pero sin duda es el más atractivo. https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
Fire-Eater features just four long cuts, all between seven and ten minutes in length, on a session that has Bryant stretching out his meaty tone and improvisations a bit further than usual. This is respectable soul-jazz with a lot of funk, but no fusion, employing the tenor sax-organ-guitar-drums lineup. All of the material was written by Bryant or members of the quartet, and favors a laid-back groove that's on the slow side, except for "Mister S.," on which guitarist Wilbert Longmire has a particularly engaging solo.
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Reseña de Richie Unterberger
Fire-Eater presenta sólo cuatro cortes largos, todos de entre siete y diez minutos de duración, en una sesión en la que Bryant extiende su tono carnoso e improvisa un poco más de lo habitual. Es un respetable soul-jazz con mucho funk, pero sin fusión, empleando la alineación de saxo tenor, órgano, guitarra y batería. Todo el material fue escrito por Bryant o los miembros del cuarteto, y favorece un ritmo relajado que está en el lado lento, excepto para "Mister S.", en el que el guitarrista Wilbert Longmire tiene un solo particularmente atractivo.
Review by Alex Henderson Like so many straight-ahead jazz artists, John Hicks did his share of label-hopping in the '90s. Instead of recording for one company consistently, he would offer different projects to different labels. During the summer of 1990, the veteran pianist traveled to Monster, Holland, and recorded Is That So? for the Dutch Timeless label. It isn't uncommon for American jazz musicians to play or record with European improvisers when they travel overseas, but on this bop-oriented CD, Hicks forms an acoustic piano trio with two fellow Americans: bassist Ray Drummond and drummer Idris Muhammad. Both are fine musicians and both serve Hicks well at a session that emphasizes well-known standards. Not many surprises occur; most of the songs that the trio embraces are warhorses that have been recorded countless times over the years. "Yesterdays," "I'll Remember April," "Softly, As in a Morning Sunrise," and "Autumn Leaves" are all great songs -- that is undeniable -- but even so, it would be nice to hear Hicks unearthing some gems that haven't been beaten to death. Nonetheless, one is inclined to be forgiving because he is such an appealing soloist. Is That So? (which Hicks produced himself) may not be the most challenging or chance-taking album of the improviser's career, but his lyrical, melodic pianism is still attractive. And his accompaniment isn't anything to complain about; no one will ever accuse Drummond or Muhammad (who was the quintessential soul-jazz drummer in the '70s) of not having major chops. Is That So? falls short of essential, but all things considered, it is an album that Hicks' hardcore fans will find to be pleasing and solid -- warhorses and all. https://www.allmusic.com/album/is-that-so--mw0000612741
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Reseña de Alex Henderson Como tantos artistas de jazz sinceros, John Hicks hizo su parte de cambiar de sello discográfico en los años 90. En lugar de grabar para una compañía constantemente, ofrecería diferentes proyectos a diferentes sellos. Durante el verano de 1990, el veterano pianista viajó a Monster, Holanda, y grabó Is That So? para el sello holandés Timeless. No es raro que los músicos de jazz estadounidenses toquen o graben con improvisadores europeos cuando viajan al extranjero, pero en este CD orientado al bop, Hicks forma un trío de piano acústico con dos compatriotas estadounidenses: el bajista Ray Drummond y el baterista Idris Muhammad. Ambos son excelentes músicos y ambos sirven bien a Hicks en una sesión que enfatiza estándares bien conocidos. No ocurren muchas sorpresas; La mayoría de las canciones que interpreta el trío son caballos de guerra que se han grabado innumerables veces a lo largo de los años. "Yesterdays", "I'll Remember April", "Softly, As in a Morning Sunrise" y "Autumn Leaves" son todas grandes canciones (eso es innegable), pero aun así, sería bueno escuchar a Hicks desenterrando Algunas gemas que no han sido asesinadas a golpes. Sin embargo, uno tiende a perdonar porque es un solista muy atractivo. ¿Es eso así? (que Hicks produjo él mismo) puede que no sea el álbum más desafiante o arriesgado de la carrera del improvisador, pero su pianismo lírico y melódico sigue siendo atractivo. Y su acompañamiento no es nada de qué quejarse; Nadie acusará jamás a Drummond o Muhammad (quien fue el baterista de soul-jazz por excelencia en los años 70) de no tener grandes dotes. ¿Es eso así? no llega a ser esencial, pero considerando todo, es un álbum que los fanáticos incondicionales de Hicks encontrarán agradable y sólido, con caballos de Battalla y todo. https://www.allmusic.com/album/is-that-so--mw0000612741
Review by Stewart Mason Parts of the second solo album by Prestige Records' house drummer, Idris Muhammad, are an even poppier affair than Black Rhythm Revolution, with a mellow soul-jazz feel replacing the slight Latin tinge of the earlier album. Side one is downright crossover, with its two pieces of positive-thinking pop (the lyrics, by Muhammad, are sung by his wife, Sakinah Muhammad) separated by a loose but faithful take on Wilson Pickett's "Don't Knock My Love." That's just side one, though. Side two is something much weirder and far more interesting. "The Peace and Rhythm Suite" is a side-long suite consisting of two long, spacy compositions that predate the ambient house scene by nearly two decades yet sound entirely of a piece with that style. Long, droning, sustained chords on a variety of wind and reed instruments float above Muhammad's percussion, which ebbs and flows in a free, almost arrhythmic way through most of the piece. Fans of the Orb or Brian Eno will find it an old hat, but for early-'70s jazz, this was downright revolutionary. https://www.allmusic.com/album/peace-rhythm-mw0000858031
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Reseña por Stewart Mason Algunas partes del segundo álbum en solitario del batería de la casa Prestige Records, Idris Muhammad, son un asunto aún más pop que Black Rhythm Revolution, con un suave aire de soul-jazz que sustituye al ligero tinte latino del álbum anterior. La primera cara es francamente crossover, con sus dos piezas de pop positivo (las letras, de Muhammad, las canta su mujer, Sakinah Muhammad) separadas por una versión suelta pero fiel de "Don't Knock My Love" de Wilson Pickett. Pero eso es sólo la primera cara. La segunda cara es algo mucho más extraño e interesante. "The Peace and Rhythm Suite" es una larga suite lateral formada por dos composiciones largas y espaciadas que preceden a la escena ambient house en casi dos décadas, pero que suenan totalmente a ese estilo. Largos y zumbantes acordes sostenidos en una variedad de instrumentos de viento y lengüeta flotan sobre la percusión de Muhammad, que fluye y refluye de forma libre, casi arrítmica, durante la mayor parte de la pieza. A los fans de The Orb o Brian Eno les parecerá algo anticuado, pero para el jazz de principios de los 70, esto era francamente revolucionario. https://www.allmusic.com/album/peace-rhythm-mw0000858031
As he delved deeper into commercial soul-jazz and jazz-funk, Lou Donaldson became better at it. While lacking the bite of his hard bop improvisations or the hard-swinging funk of Alligator Bogaloo, Midnight Creeper succeeds where its predecessor, Mr. Shing-A-Ling failed: it offers a thoroughly enjoyable set of grooving, funky soul-jazz. The five songs -- including two originals by Donaldson and one each by Lonnie Smith (who also plays organ on the record), Teddy Vann, and Harold Ousley -- aren't particularly distinguished, but the vibe is important, not the material. And the band -- Donaldson, Smith, trumpeter Blue Mitchell, guitarist George Benson, and drummer Leo Morris -- strikes the right note, turning in a fluid, friendly collection of bluesy funk vamps. Donaldson could frequently sound stilted on his commercial soul-jazz dates, but that's not the case with Midnight Creeper. He rarely was quite as loose on his late-'60s/early-'70s records as he is here, and that's what makes Midnight Creeper a keeper.
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Traducción Automática:
Revisión por Stephen Thomas Erlewine
A medida que profundizaba en el soul-jazz comercial y el jazz-funk, Lou Donaldson se volvió mejor en eso. Mientras que le falta la mordedura de sus improvisaciones de hard bop o el funk de Alligator Bogaloo, Midnight Creeper triunfa donde su predecesor, el Sr. Shing-A-Ling, fracasó: ofrece un juego de grooving y funky soul-jazz. Las cinco canciones, incluyendo dos originales de Donaldson y una de Lonnie Smith (que también toca el órgano en el disco), Teddy Vann y Harold Ousley, no son particularmente distinguidas, pero el ambiente es importante, no el material. Y la banda - Donaldson, Smith, el trompetista Blue Mitchell, el guitarrista George Benson y el baterista Leo Morris - toca la nota correcta, convirtiendo en una colección fluida y amigable de vampiros de blues funky. Donaldson puede sonar frecuentemente forzado en sus citas comerciales de soul-jazz, pero ese no es el caso con Midnight Creeper. Rara vez estuvo tan suelto en sus registros de finales de los '60 / principios de los '70 como lo está aquí, y eso es lo que hace que Midnight Creeper sea un portero.
Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was
one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy
soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply
defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige
and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist,
proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist.
Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying
piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some
of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith
in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut
on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt
discovered him. The association helped make Patterson's name, and he
began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring
guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played
with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s,
before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug
addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few
sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his
career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened,
forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988.
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Biografía:
Inspirado por Jimmy Smith para pasar del piano al órgano, Don Patterson
fue uno de los intérpretes más arraigados del Hammond B-3, capaz de
tocar ritmos de soul-jazz o de salir del bolsillo para obtener líneas
solistas ágiles y bien definidas. Aunque dirigió numerosas grabaciones
para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista
favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el
saxofonista influenciado por Parker. Patterson nació en Columbus, OH,
el 22 de julio de 1936, y comenzó a estudiar piano de niño. Su primera
gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su
forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y
cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente en el órgano
en 1959, y tocó con varios grupos antes de que Stitt lo descubriera. La
asociación ayudó a hacer el nombre de Patterson, y comenzó a grabar para
Prestige en 1964, a menudo con un trío que incluía al guitarrista Pat
Martino y al baterista Billy James. Patterson también tocó con muchos
otros grandes del saxo soul-jazz durante los años 60, antes de
establecerse en Gary, IN, hacia el final de la década. La adicción a las
drogas redujo un poco sus actividades de grabación, ya que sólo unas
pocas sesiones esporádicas de Muse aparecieron durante los 70. Revivió
un poco su carrera después de mudarse a Filadelfia, pero su salud
empeoró, forzándolo a tomar diálisis frecuentemente; murió el 10 de
febrero de 1988.
Eric Gale was a top studio guitar man, and a first call session player on many dates from the '50's through the '90's. His reliable accompaniment can be appreciated on scores of records as a sideman, and through his own efforts as leader.
Born Sept. 20, 1938 in Brooklyn of Barbadian parents, Gale studied chemistry at Niagara University. He took up the double bass when he was 12 years old and also played tenor saxophone, trombone and tuba before he chose the guitar. The basis of his style was formed on the 50s and 60s R&B circuit.
He was with the Drifters, Jackie Wilson, the Flamingos and Maxine Brown, before playing in the 60s with King Curtis, Jimmy Smith, David “Fathead” Newman, Mongo Santamaria and Aretha Franklin.
In the early 70s Gale became the house guitarist with Creed Taylor's new CTI Records label. Gale’s association with Creed Taylor began when the celebrated producer was working at Verve Records. Curiously, their first sessions together, on August 18 and October 24, 1966, were part of a Johnny Hodges album titled “Blue Notes;” a very peculiar name for a Verve LP!
During the A&M/CTI years, Eric Gale was heard on albums by Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, and J.J. Johnson & Kai Winding. When CTI became a completely independent label, he became the house guitarist for one of its subsidiary labels, Kudu Records, appearing on the first album issued under the Kudu logo: Johnny Hammond’s “Breakout.” Many other sessions followed and, on January 1973, Creed Taylor finally allowed him to record as a leader.His album “Forecast,” was well received and gained him broader recognition outside of just his sideman role.
Even after Eric Gale signed with Columbia, he continued to record as a sideman for Creed. Besides performing as rhythm guitarist on George Benson’s sessions which yielded the albums “Good King Bad,” “Benson & Farrell,” and “Pacific Fire,” he appeared as a featured soloist on Bob James’ last album for CTI, “BJ 4,” as well as on Lalo Schifrin’s two albums for CTI in 1976, “Black Widow,” and “Towering Toccata.”
For Kudu, Gale kept recording until 1977, on albums by Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), and Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford’s Back, Tico Rico). Then, in September 1981, he was reunited again with Creed Taylor during the sessions for “Silk,” the second album by the all-star project Fuse One.
He was in 1975, a founder of the influential funk band Stuff along with artists including Steve Gadd, Cornell Dupree and Richard Tee. They played regularly at Mikell's in Manhattan with only minimal rehearsal, and released four popular albums for Warner Brothers.
In the early 90s he performed as a regular band member in several US television shows. Gale thought like a frontline musician and played like a saxophonist. Gale’s big popularity in Japan is mainly the result of many tours with the legendary Stuff group (which did a best-selling live album at Yubin-Chokin Hall in 1978), Sadao Watanabe (How’s Everything ” Live at Budokan in 1980) and Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, also at Budokan, in 1982).
Gale was presented by bassist/producer Ron Carter on a strictly jazz date in 1987, for the album “In A Jazz Tradition.” With tenor saxophonist Houston Person, organist Lonnie Smith, and drummer Grady Tate completing the quintet, the music is soul-jazz with a strong dose of bebop. Since Eric Gale rarely recorded in this type of freewheeling group, the swinging set was his definitive jazz recording.
He continued to tour Japan regularly, sometimes three times a year, until 1993.In 1994, soon after performing on Al Jarreau’s “Tenderness” album (fortunately documented on video), Gale passed away on May 25, 1994, in Baja, California.
https://musicians.allaboutjazz.com/ericgale
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Biografía:
Eric Gale fue un guitarrista de estudio de primera clase, y un músico de sesión de primera llamada en muchas fechas de los años 50 a los 90. Su confiable acompañamiento puede ser apreciado en decenas de discos como sideman, y a través de sus propios esfuerzos como líder.
Nacido el 20 de septiembre de 1938 en Brooklyn de padres barbadenses, Gale estudió química en la Universidad de Niágara. Comenzó a tocar el contrabajo a los 12 años y también tocó el saxo tenor, el trombón y la tuba antes de elegir la guitarra. La base de su estilo se formó en el circuito R&B de los años 50 y 60.
Estuvo con los Drifters, Jackie Wilson, los Flamingos y Maxine Brown, antes de tocar en los 60 con King Curtis, Jimmy Smith, David "Fathead" Newman, Mongo Santamaría y Aretha Franklin.
A principios de los 70 Gale se convirtió en el guitarrista de la casa con el nuevo sello de Creed Taylor, CTI Records. La asociación de Gale con Creed Taylor comenzó cuando el célebre productor trabajaba en Verve Records. Curiosamente, sus primeras sesiones juntos, el 18 de agosto y el 24 de octubre de 1966, formaron parte de un álbum de Johnny Hodges titulado "Blue Notes"; ¡un nombre muy peculiar para un LP de Verve!
Durante los años de A&M/CTI, Eric Gale fue escuchado en álbumes de Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, y J.J. Johnson & Kai Winding. Cuando CTI se convirtió en un sello completamente independiente, se convirtió en el guitarrista de uno de sus sellos subsidiarios, Kudu Records, apareciendo en el primer álbum publicado bajo el logo de Kudu: "Breakout" de Johnny Hammond. Muchas otras sesiones siguieron y, en enero de 1973, Creed Taylor finalmente le permitió grabar como líder. Su álbum "Forecast", fue bien recibido y le ganó un reconocimiento más amplio, aparte de su papel de sideman.
Incluso después de que Eric Gale firmara con Columbia, continuó grabando como sideman para Creed. Además de actuar como guitarrista rítmico en las sesiones de George Benson que dieron lugar a los álbumes "Good King Bad", "Benson & Farrell" y "Pacific Fire", apareció como solista en el último álbum de Bob James para CTI, "BJ 4", así como en los dos álbumes de Lalo Schifrin para CTI en 1976, "Black Widow" y "Towering Toccata".
Para Kudu, Gale siguió grabando hasta 1977, en álbumes de Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), y Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford's Back, Tico Rico). Luego, en septiembre de 1981, se reunió de nuevo con Creed Taylor durante las sesiones de "Silk", el segundo álbum del proyecto estrella Fuse One.
En 1975, fue uno de los fundadores de la influyente banda de funk Stuff junto con artistas como Steve Gadd, Cornell Dupree y Richard Tee. Tocaron regularmente en Mikell's en Manhattan con sólo un mínimo de ensayo, y lanzaron cuatro álbumes populares para Warner Brothers.
A principios de los 90 actuó como miembro regular de la banda en varios programas de televisión de EE.UU. Gale pensaba como un músico de primera línea y tocaba como saxofonista. La gran popularidad de Gale en Japón es principalmente el resultado de muchas giras con el legendario grupo Stuff (que hizo un álbum en vivo de gran venta en el Yubin-Chokin Hall en 1978), Sadao Watanabe (How's Everything " Live at Budokan en 1980) y Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, también en Budokan, en 1982).
Gale fue presentado por el bajista/productor Ron Carter en una fecha estrictamente de jazz en 1987, para el álbum "In A Jazz Tradition". Con el saxofonista tenor Houston Person, el organista Lonnie Smith y el baterista Grady Tate completando el quinteto, la música es soul-jazz con una fuerte dosis de bebop. Como Eric Gale rara vez grabó en este tipo de grupo libre, el swinging set fue su grabación definitiva de jazz.
Continuó haciendo giras por Japón con regularidad, a veces tres veces al año, hasta 1993. En 1994, poco después de actuar en el álbum "Tenderness" de Al Jarreau (afortunadamente documentado en vídeo), Gale falleció el 25 de mayo de 1994 en Baja California.
Hijo de un profesor de música y hermano de un concertista de piano, el
saxofonista tenor, Sonny Stitt (Boston, 1924), empezó a estudiar piano
para después pasarse al clarinete y al contralto. Afincado en Saginaw,
empezó a trabajar con Thad Jones, hasta que se trasladó con su familia a
Detroit donde contacto con Mel Lewis y Lucky Thompson. En la ciudad de
Newark, obtuvo algunos contratos intrascendentes y en aquélla época
empezó a escuchar a Charlie Parker cuando el saxo alto de Kansas,
trabajaba en la orquesta de Jay McShann.
Poco después conoció personalmente a "Bird" en Kansas City, donde ambos
se juntaron para tocar en una sesión privada en la que Parker pudo
comprobar lo que se decía de Sonny Stitt, (Miles Davis confirmó que
Stitt tocaba como Parker, incluso antes de que este conociera al genio
de Kansas). Entre 1945 y 1946 y en New York, tocó con Dizzy Gillespie,
grabando varios temas para el sello "Musicraft" y tambien con el
pianista, Bud Powell. A su vuelta a Detroit, tuvo que interrumpir su
actividad a consecuencia de su adicción a la droga. Afortunadamente
siguió un severo proceso de desintoxicación en Lexington y en 1949, ya
estaba de vuelta a New York. Adoptó el saxo tenor en esta segunda etapa
-probablemente tras comprobar que Parker era el rey indiscutible del
saxo alto- y formó un pequeño grupo que codirigió con Gene Ammons,
durante un par de años. 1949 fue tambien el año de su debut discográfico
con el tema: "All God's Chillun Got Rhythm" (Prestige) un sello con el
que grabó durante dos años (1949-1950) una serie de espléndidos discos.
A finales de los años cincuenta, fue contratado por el productor Norman
Granz, para su famoso espectáculo "Jazz at the Philharmonic" con el
que recorrió varios países europeos. En 1964 realizó otra importante
gira, esta vez a Japón con un gran sexteto que incluía entre otros
grandes músicos, a Jay Jay Johnson y Clark Terry. De vuelta a los
Estados Unidos, formó un quinteto con Zoot Sims, de duración efímera.
En 1971 fue llamado por George Wein para formar junto a Dizzy
Gillespie, Kai Winding, Thelonious Monk, Al McKibbon y Art Blakey el
sexteto "The Giants of Jazz" con el que realizó una larguísima y
extensa gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, Israel y Europa con un
resultado de critica y publico extraordinario. En 1974 participó en el
Festival de Newport dentro del espectáculo "The Musical Life of Charlie
Parker".
Claramente influenciado por Charlie Parker, la discografía de Sonny
Stitt es abundantísima -grabó sólo a su nombre cerca de ciento cincuenta
álbumes.
Su muerte en 1982 dejó un vacío importante entre los saxofonistas importantes del jazz.
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Artist Biography by Bob Porter
Charlie Parker has had many admirers and his influence can be detected
in numerous styles, but few have been as avid a disciple as Sonny Stitt.
There was almost note-for-note imitation in several early Stitt solos,
and the closeness remained until Stitt began de-emphasizing the alto in
favor of the tenor, on which he artfully combined the influences of
Parker and Lester Young. Stitt gradually developed his own sound and
style, though he was never far from Parker on any alto solo. A wonderful
blues and ballad player whose approach influenced John Coltrane, Stitt
could rip through an up-tempo bebop stanza, then turn around and play a
shivering, captivating ballad. He was an alto saxophonist in Tiny
Bradshaw's band during the early '40s, then joined Billy Eckstine's
seminal big band in 1945, playing alongside other emerging bebop stars
like Gene Ammons and Dexter Gordon. Stitt later played in Dizzy
Gillespie's big band and sextet. He began on tenor and baritone in 1949,
and at times was in a two-tenor unit with Ammons. He recorded with Bud
Powell and J.J. Johnson for Prestige in 1949, then did several albums on
Prestige, Argo, and Verve in the '50s and '60s. Stitt led many combos
in the '50s, and re-joined Gillespie for a short period in the late
'50s. After a brief stint with Miles Davis in 1960, he reunited with
Ammons and for a while was in a three-tenor lineup with James Moody.
During the '60s, Stitt also recorded for Atlantic, cutting the
transcendent Stitt Plays Bird, which finally addressed the Parker
question in epic fashion. He continued heading bands, though he joined
the Giants of Jazz in the early '70s. This group included Gillespie, Art
Blakey, Kai Winding, Thelonious Monk, and Al McKibbon. Stitt did more
sessions in the '70s for Cobblestone, Muse, and others, among them
another definitive date, Tune Up. He continued playing and recording in
the early '80s, recording for Muse, Sonet, and Who's Who in Jazz. He
suffered a heart attack and died in 1982.
This collection showcases Leon Spencer, a Houston native who recorded
four Prestige albums in the early '70s. The first six tracks are from
Sneak Preview!, the organist's 1970 label debut, the others from its
more commercially oriented follow-up, 1971's Louisiana Slim.
State-of-the-art soul-jazz personnel includes tart-toned trumpeter
Virgil Jones and up-and-coming tenor sax star Grover Washington, Jr.
Born on November 1, 1945, Spencer came up on piano, switching to organ
when he heard Jimmy Smith in person. He had a unique style: while flashy
on top, he leavened it with an unusually authoritative left hand,
creating countermelodies in the bass where most organists could only
create counterpoint. The standouts here are Spencer's bluesy "The
Slide," a juicy take on the Meters' "Message from the Meters," Spencer's
ballad "Our Love Will Never Die" (check out Sparks's delightfully
florid solo and Washington's sweet flute), and his richly vernacular
"Louisiana Slim."
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Esta colección muestra a Leon Spencer, un nativo de Houston que grabó
cuatro álbumes de Prestige a principios de los años 70. Las primeras
seis canciones son de Sneak Preview!, El debut en la etiqueta del
organista en 1970, las otras de su seguimiento más orientado
comercialmente, el de Louisiana Slim de 1971. El personal de vanguardia
del soul-jazz incluye al trompetista de tono agridulce Virgil Jones y al
prometedor teniente saxofonista Grover Washington, Jr. Nacido el 1 de
noviembre de 1945, Spencer subió al piano y cambió al órgano cuando
escuchó a Jimmy Smith en persona. Tenía un estilo único: aunque
llamativo en la parte superior, lo fermentó con una mano izquierda
inusualmente autorizada, creando contra melodías en el bajo donde la
mayoría de los organistas solo podían crear contrapunto. Los destacados
aquí son el bluesy "The Slide" de Spencer, una jugosa toma del "Message
from the Meters" de los Meters, "La balada de Spencer" Nuestro amor
nunca morirá "(echa un vistazo al encantador solo florido de Sparks y la
dulce flauta de Washington), y su rico vernáculo "Louisiana Slim".
Review by Chris Slawecki Houston
Person was among the guttiest of the gutbucket saxophonists of the
soul-jazz golden age -- for proof, look no further than Legends of Acid
Jazz: Houston Person, which compiles two of the saxman's most popular
releases, Person to Person! and Houston Express (both originally
released in 1970). Express featured the "funkmaster general" of the
tenor saxophone with a tight, pocket-sized ensemble (including guitarist
Grant Green and drummer Idris Muhammad), while, on Person!, his
supporting ensemble expanded to include trumpet players Cecil
Bridgewater and Thad Jones, guitarist Billy Butler and another kindred
spirit and prince of funk on his instrument, Motown bassist Gerry
Jemmott.
Legends of Acid Jazz: Houston Person provides a
high-voltage cover version extravaganza, including "(For God's Sake)
Give More Power to the People" (the Chi-Lites), "Close to You" (the
Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder),
"Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (the
Temptations), and "Lift Every Voice and Sing," which Person describes in
his liner notes as the "black national anthem." Person and friends turn
every one of these, and others such as his own "Up at Joe's, Down at
Jim's" and his trademark "The Houston Express" into stinging, swinging,
original-sounding opuses of funk. https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833
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Reseña de Chris Slawecki Houston
Person fue uno de los saxofonistas más agresivos de la época dorada del
soul-jazz. Para comprobarlo, no hay más que ver Legends of Acid Jazz:
Houston Person, que recopila dos de los lanzamientos más populares del
saxofonista, Person to Person! y Houston Express (ambos publicados
originalmente en 1970). Express presentaba al "funkmaster general" del
saxofón tenor con un conjunto ajustado y de bolsillo (que incluía al
guitarrista Grant Green y al batería Idris Muhammad), mientras que, en
Person!, su conjunto de apoyo se ampliaba para incluir a los
trompetistas Cecil Bridgewater y Thad Jones, al guitarrista Billy Butler
y a otro espíritu afín y príncipe del funk en su instrumento, el
bajista de la Motown Gerry Jemmott.
Leyendas del Acid Jazz:
Houston Person ofrece una extravagancia de versiones de alto voltaje,
incluyendo "(For God's Sake) Give More Power to the People" (los
Chi-Lites), "Close to You" (los Carpenters), "Yester-Me, Yester-You,
Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha
Franklin), "Just My Imagination" (los Temptations), y "Lift Every Voice
and Sing", que Person describe en sus notas como el "himno nacional
negro". "Person y sus amigos convierten cada una de estas canciones, y
otras como la suya propia "Up at Joe's, Down at Jim's" y su
característica "The Houston Express", en punzantes y originales opus de
funk. https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833
Review by Thom Jurek In 1980, guitarist and composer Eric Gale came off the commercial success of 1979's Part of You (produced by Ralph MacDonald) and didn't do the obvious thing. Rather than make another record that swung for the smooth jazz fences, he made a darker, deeper, funkier, and bluesier album with legendary New Orleans producer Allen Toussaint. The sessions included the cream of the Crescent City's jazz-funk crop as well as mates Charlie Earland, Grover Washington, Jr., and Idris Muhammad, three of soul-jazz's greatest lights -- with special guest Arthur Blythe on the Charlie Parker nugget "Au Privave" as a curve ball. Toussaint wrote four of the album's seven tracks, and they range from the murky blue soul-jazz of "You Got My Life in Your Hands" to the sweet, boudoir-perfect urban-styled title track. Gale is a consummate soloist, full of lilting and biting grooves, with stunning phrasing that maximizes the rhythmic effect of his high strings (such as on "War Paint"), and he never plays an extra note. The beautiful ballad "With You I'm Born Again" has Washington playing some of his most haunting soprano, and the wildly funked-up "Au Privave," a holdover from the bop generation that keeps its original flavor despite the three-instrument front line of Earland's B-3, Blythe's alto, and Gale's chunky bottom strings (which are accented in his comping through the changes), is nothing short of astonishing. This is one of the great versions of the tune, especially in this modern context, and offers solid proof of Gale's bebop roots. https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343
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Reseña de Thom Jurek En 1980, el guitarrista y compositor Eric Gale salió del éxito comercial de Part of You (producido por Ralph MacDonald) de 1979 y no hizo lo obvio. En lugar de hacer otro disco que se decantara por el smooth jazz, hizo un álbum más oscuro, profundo, funky y blues con el legendario productor de Nueva Orleans Allen Toussaint. Las sesiones incluyeron a la flor y nata de la cosecha de jazz-funk de la ciudad de la Media Luna, así como a sus compañeros Charlie Earland, Grover Washington, Jr. e Idris Muhammad, tres de las mayores luminarias del soul-jazz, con el invitado especial Arthur Blythe en la pieza de Charlie Parker "Au Privave" como pelotazo. Toussaint escribió cuatro de los siete temas del álbum, que van desde el turbio soul-jazz azul de "You Got My Life in Your Hands" hasta la dulce y perfecta canción urbana del título. Gale es un solista consumado, lleno de ritmos cadenciosos y mordaces, con un fraseo impresionante que maximiza el efecto rítmico de sus cuerdas altas (como en "War Paint"), y nunca toca una nota de más. La hermosa balada "With You I'm Born Again" tiene a Washington tocando algunas de sus más inquietantes sopranos, y la salvajemente funked-up "Au Privave", un remanente de la generación del bop que mantiene su sabor original a pesar de la línea frontal de tres instrumentos de Earland B-3, Blythe alto, y las cuerdas bajas gruesas de Gale (que se acentúan en su composición a través de los cambios), es nada menos que sorprendente. Esta es una de las grandes versiones de la melodía, especialmente en este contexto moderno, y ofrece una sólida prueba de las raíces bebop de Gale. https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343
"Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide
Review:
Seated
in Europe for decades, this is the last album of a short but enjoyable
discography. A two-day tour-de-force session recorded live in Barcelona,
featuring the classic Lou Bennett sturdy soul-jazz organ, backed by
saxophonist Abdu Salim, Ximo Tebar, a young straight-ahead bop guitar
player from Valencia, and the funk master drumming of Idris Muhammad,
altogether create a remarkably full sound atmosphere. A rare must have
for collectors.
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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.
Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.
Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.
Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.
Revisión:
Sentado en Europa durante décadas, este es el último álbum de una discografía corta pero agradable. Una sesión de dos días de tour-de-force grabada en vivo en Barcelona, con el clásico Lou Bennett, el robusto órgano de soul-jazz, respaldado por el saxofonista Abdu Salim, Ximo Tebar, un joven guitarrista de Valencia, y el maestro del funk. Los tambores de Idris Muhammad crean una atmósfera de sonido notablemente completa. Un raro debe tener para los coleccionistas.
The Spirits of Our Ancestors is a studio album by jazz pianist Randy Weston, recorded in May 1991 at BMG Studios in New York and released in 1992 on the Antilles/Verve label. The album is a collaborative work between Weston and arranger Melba Liston and features an expanded ensemble including major jazz figures such as Dizzy Gillespie, Pharoah Sanders, Dewey Redman and Idris Muhammad. The concept of the recording was to celebrate African musical roots and honor musical ancestors, blending African, Moroccan and American jazz traditions.
A 1992 jazz release on Verve featuring selections from The Spirits of Our Ancestors, focusing on extended, African-influenced jazz compositions by pianist and composer Randy Weston. The material was recorded in May 1991 and brings together a large ensemble with powerful arrangements rooted in African rhythms and jazz tradition.
Review by Steven McDonald Something of a jazz superstar collective, the Chartbusters are rooted in Dr. Lonnie Smith's swirling Hammond B3 and Idris Muhammad's nimble drumming, giving the album a solid rhythmic foundation from which the players seem reluctant to move -- the album has something in the way of swing, but never falls sincerely into the looser improvisational areas that might have provided some real spice. Still, the horn work from Craig Handy, Donald Harrison and Randy Brecker is solid, enjoyable playing, while guitarist David Fiuczynski takes a couple of opportunities to show what he can do. Pleasant enough, but it could really have used a few teeth. https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535
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Reseña de Steven McDonald Los Chartbusters, una especie de colectivo de superestrellas del jazz, se basan en el vertiginoso Hammond B3 del Dr. Lonnie Smith y la ágil batería de Idris Muhammad, lo que le da al álbum una sólida base rítmica de la que los músicos parecen reacios a alejarse: el álbum tiene algo de swing, pero nunca cae sinceramente en las áreas de improvisación más libres que podrían haberle dado un toque realmente especial. Aun así, el trabajo de los instrumentos de viento de Craig Handy, Donald Harrison y Randy Brecker es sólido y agradable, mientras que el guitarrista David Fiuczynski aprovecha un par de oportunidades para demostrar lo que sabe hacer. Es bastante agradable, pero realmente le habría venido bien un poco más de garra. https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535
Originally Hailing From Columbus, Ohio, Where He Was Born In July 1948, Bill Mason, The Son Of A Baptist Minister, Had First Learnt Music In Church. Starting Out On Piano He Switched To Organ In His Late Teens. Mason Had Come To Bob Porter's Attention When As Part Of The Bryant Group He Recorded At Prestige On Two Sessions In 1971. Bill Mason Proves Himself A Formidable Leader With His Solo Album, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. The Album's Physicality Is Astounding, Mason Is An Extraordinary Soulful Hammond Organist, Conjuring Spiraling, Spellbinding Grooves That Seem To Grow Deeper And More Relentless With Each Successive Track. He Also Proves His Talent As A Composer With Originals Like "mister Jay" And The Scorching Title Cut Standing Tall Alongside Covers Highlighted By Al Green's Immortal "let's Stay Together". Gettin' Off Features Idris Muhammad On Drums, Which Means A Frenzy Of Funky Jb-influenced Over-the-top Soul-jazz Drumming. Featured On Bass Is The Legendary Gordon Edwards (known For His Work With James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, Etc.) And Saxophone Duties Are Handled By Hubert Laws (quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog). All Of The Above Is Carefully Overseen By Engineer Rudy Van Gelder & Producer Bob Porter (known For Their Work With Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis...and Many Others). Bill Mason's First (and Only) Album Was Originally Released In 1972 On Eastbound Records, Super Rare And Fetching Large Sums On The Collectors Market. https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951
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Originario de Columbus, Ohio, donde nació en julio de 1948, Bill Mason, el hijo de un ministro bautista, había aprendido primero música en la iglesia. Empezando con el piano, cambió al órgano en su adolescencia. Mason llamó la atención de Bob Porter cuando, como parte del grupo Bryant, grabó en dos sesiones en 1971. Bill Mason demostró ser un líder formidable con su álbum solista, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. La física del álbum es asombrosa, Mason es un extraordinario organista Hammond, conjurando espirales, hechizando surcos que parecen crecer más profundos e implacables con cada pista sucesiva. También demuestra su talento como compositor con originales como "Mr. Jay" y el abrasador título cortado en alto junto a portadas destacadas por el inmortal "Let's Stay Together" de Al Green.
En "Gettin' Off" aparece Idris Muhammad en la batería, lo que significa un frenesí de tambores Soul-jazz influenciados por el Funky Jb. En el bajo aparece el legendario Gordon Edwards (conocido por su trabajo con James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, etc.) Y los deberes de saxofón son manejados por Hubert Laws (Quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog). Todo lo anterior es cuidadosamente supervisado por el ingeniero Rudy Van Gelder y el productor Bob Porter (conocido por su trabajo con Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis... y muchos otros). El primer (y único) álbum de Bill Mason fue lanzado originalmente en 1972 en Eastbound Records, Super Rare and Fetching Large Sums On The Collectors Market. https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951
The keys are coral, and the sound is sublime – one of the greatest albums ever from pianist Walter Bishop Jr, and proof that he can really stretch out, given the right setting!
The piano here is all acoustic, but there's an almost-electric vibe to the date – long, open tracks that sway and swell with some great spiritual energy – made even more wonderful by work from reedman Harold Vick, who plays tenor, flute, and soprano sax on the record – and makes it one of his best recordings ever!
The reedwork alone is worth the price of admission – but the rhythms are also great too – a mix of soulful, modal, and some slight funky bits – handled by Reggie Johnson on bass, and either Idris Muhammad or Alan Benger on drums - Woody Shaw plays trumpet on some cuts, too. https://www.jazzmessengers.com/it/92581/walter-bishop-jr/coral-keys
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Las teclas son de coral y el sonido es sublime: uno de los mejores álbumes del pianista Walter Bishop Jr - y la prueba de que realmente puede dar lo mejor de sí mismo cuando se le brinda el entorno adecuado.
El piano aquí es totalmente acústico, pero hay un ambiente casi eléctrico en la grabación: temas largos y abiertos que se balancean y crecen con una gran energía espiritual, que se vuelve aún más maravillosa gracias al trabajo del saxofonista Harold Vick, que toca el saxo tenor, la flauta y el saxo soprano en el disco, ¡y lo convierte en una de sus mejores grabaciones!
Solo por el trabajo de los instrumentos de viento ya vale la pena comprarlo, pero los ritmos también son geniales, una mezcla de soul, modal y algunos toques funky, a cargo de Reggie Johnson al bajo e Idris Muhammad o Alan Benger a la batería - Woody Shaw también toca la trompeta en algunos temas. https://www.jazzmessengers.com/it/92581/walter-bishop-jr/coral-keys
Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Bobbi Humphrey is a jazz flautist whose musical tastes lean toward
fusion and smooth jazz-pop. From the outset of her career, Humphrey was
quite popular, winning a large crossover audience with her pop-oriented
jazz-fusion. Throughout her career, her popularity exceeded her critical
acclaim, but she received high marks for her technique and showmanship.
Audiences stayed with Humphrey for decades, buying her records and
attending her concerts from the Montreux Festival to Carnegie Hall.
Although Bobbi Humphrey was born in Marlin, TX, she was raised in
Dallas. She began playing flute in high school and continued her studies
at Texas Southern University and Southern Methodist University. Dizzy
Gillespie saw Humphrey play at a talent contest at Southern Methodist
and, impressed with what he had heard, he urged her to pursue a musical
career in New York City. She followed through on his advice, getting her
first big break performing at the Apollo Theater on amateur night.
Shortly afterward, she began playing regularly throughout the city,
including a gig with Duke Ellington.
Humphrey signed with Blue Note in 1971. Her smooth blend of jazz, funk,
pop, and R&B fit in well with the new sound of Blue Note, and her
six albums for the label -- Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin
Doll, Live at Montreux, and Fancy Dancer -- were all successes. In
particular, 1973's Blacks and Blues was a rousing success, earning her a
crossover pop and R&B audience. That same year, she played the
Montreux Festival in Switzerland. In 1976, she was named Best Female
Instrumentalist by Billboard. The following year, she switched record
labels, signing with Epic and releasing Tailor Made that same year. She
also played on Stevie Wonder's platinum album Songs in the Key of Life
in 1977.
Tailor Made was the first of three albums for Epic Records; Freestyle
followed in 1978 and The Good Life appeared about a year afterward.
During the '80s, Humphrey continued to perform regularly, even if she
didn't record often. She returned to recording in 1989, releasing City
Beat on Malaco Records. Five years later, Passion Flute appeared on her
own Paradise Sounds label, where she is President and C.E.O.
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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine Bobbi Humphrey es una flautista de jazz cuyos gustos musicales se inclinan hacia la fusión y el jazz-pop suave. Desde el principio de su carrera, Humphrey fue bastante popular, ganando un gran público con su jazz-fusión orientado al pop. A lo largo de su carrera, su popularidad superó el reconocimiento de la crítica, pero recibió altas calificaciones por su técnica y espectáculo. El público siguió a Humphrey durante décadas, comprando sus discos y asistiendo a sus conciertos desde el Festival de Montreux hasta el Carnegie Hall. Aunque Bobbi Humphrey nació en Marlin, Texas, se crió en Dallas. Empezó a tocar la flauta en el instituto y continuó sus estudios en la Texas Southern University y la Southern Methodist University. Dizzy Gillespie vio a Humphrey tocar en un concurso de talentos en la Southern Methodist e, impresionado por lo que había oído, la instó a seguir una carrera musical en Nueva York. Ella siguió su consejo y consiguió su primera gran oportunidad actuando en el Teatro Apollo en una noche de aficionados. Poco después, empezó a tocar con regularidad por toda la ciudad, incluida una actuación con Duke Ellington.
Humphrey firmó con Blue Note en 1971. Su suave mezcla de jazz, funk, pop y R&B encajaba bien con el nuevo sonido de Blue Note, y sus seis álbumes para el sello -Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin Doll, Live at Montreux y Fancy Dancer- fueron todos un éxito. En particular, Blacks and Blues, de 1973, fue un éxito rotundo, que le valió una audiencia de pop y R&B transversal. Ese mismo año actuó en el Festival de Montreux, en Suiza. En 1976, fue nombrada mejor instrumentista femenina por Billboard. Al año siguiente, cambió de sello discográfico, firmando con Epic y publicando Tailor Made ese mismo año. También tocó en el álbum de platino de Stevie Wonder Songs in the Key of Life en 1977.
Tailor Made fue el primero de tres álbumes para Epic Records; Freestyle le siguió en 1978 y The Good Life apareció aproximadamente un año después. Durante los años 80, Humphrey siguió actuando con regularidad, aunque no grabara a menudo. Volvió a grabar en 1989, publicando City Beat en Malaco Records. Cinco años más tarde, Passion Flute apareció en su propio sello Paradise Sounds, del que es presidenta y consejera delegada.
